불협화음(dissonance) 현장 The Scene of Dissonance
정아림 Jung Ahrim (학예연구사) 2025
차가운 붉은빛의 카펫을 경계로 얇은 회화들이 자리한다. 카펫을 둘러싼 벽의 창문은 시시각각 변화하는 빛을 통과시키며 각각의 구성들과 공기를 감싼다. 이 파편들은 가까이 모여 있기도 하지만 때로는 멀찍이 떨어진 채로 자리 잡고 있으며, 모두 경계 바깥을 응시한다. 붉은 카펫 위의 공간은 어떤 사건이 일어난 극(劇)적인 현장이 되었다. 무슨 일이 일어난 것일까?
불안감과 시간 그리고 신체 사이의 긴장감을 표현해온 김선영은 《파열_멸열망하는 멜로디》를 통해서 정신과 신체, 화면의 안과 밖에 대한 이야기를 지속해 나간다. 외부를 향하던 작가의 시선은 2017년 이후 내부에 머물기 시작하면서, 그 사이의 경계, 신체와 마주하게 된다. 하나의 완전한 덩어리라고 생각했던 신체는 해체와 분리의 과정을 거쳐 피부라는 표면이 드러낸다. 그렇게 드러난 표면 위로 나와 세계 사이에서의 안팎의 괴리, 시간의 균열 등 불화음(不和音)이 다가온 것이다.
[산이 갈라지는 소리]
리듬감 있게 그려진 <파열음으로 가는 드로잉>(2023)은 작가의 세계로 이끌기 충분했다. 산에서 나는 쩍 갈라지는 파열음이 철제 프레임의 끝자락에서 위에 연약한 종이의 사각거림으로 변주되어 드러난다. 서로 겹쳐진 두 개의 화면은 크기만 달리한 반복된 드로잉일 수도 있고, 하나의 전체 화면의 분리된 부분으로도 보일 수도 있다. 덩어리를 조각낸 선과 상단과 하단의 유려한 선은 자리를 맴맴 돌고 있다. 작가에게 파열된 산은 온전한 것을 파괴적 의미가 아닌, 새로운 무언가가 태동되는 시점이 된다.
[살갗의 현장]
김선영은 이번 전시를 통해 새로운 시도를 한 것처럼 보인다. 새빨간 카펫, 창문을 포함한 공간 그리고 인체와 닮은 회화의 구성이 그것이다. 응당 착한 회화가 그래왔듯, 이전의 작품들이 벽에 안착하거나 그 주변을 맴돌았다면, 이번 전시에서는 공간 중앙에 대형을 갖추어 얼핏 관객을 마주하는 것만 같은 구조를 취한다. 전시장에 들어서자마자 마주하는 카펫은 전시 장소와 비전시 장소를 구별하는 장치로 기능했으며, 어떤 면으로는 연극에서의 무대와 관람객 사이의 구분처럼 보이기도 한다. 이 때문에 관객은 붉은 현장으로의 진입에 심리적 장벽을 느끼게 되지만, 이내 감식하듯 회화의 현장 속으로 들어갈 수 있게 된다. 각 화면을 지탱하고 있는 차가운 스테인리스의 두 다리는 격렬한 현장 속 서늘함을 유지하며 공간의 온도를 조율한다. 전시 공간을 감싸는 창은 자연광을 투과시키면서 전시장은 시시각각 변하는 모든 분위기를 포함하여 시간의 흐름에 따라 변주되는 장으로 만든다. 이번 전시에서 특기할만한 부분은 규격의 변화다. 그동안 대형 회화와 소형 회화의 크기를 위주로 구현해온 작가는 이번 전시에서 달리 관람자와 닮은 높이와 너비로 작품을 선보였다. <아린 살>(2025), <베어나가는 것들>(2025) 그리고 <뼈 혹은 살>(2025)들을 살펴보자면, 서 있거나 웅크린 인체 형상의 조각 같기도 하다. <minus body>(2025)와 주변에 배치된 <아직 꾸지 못한>(2025)은 좀 더 신체의 조각들을 직설적으로 말하는 작품들이다. 제목과 화면에서 유추할 수 있듯 작업은 신체로부터 시작되는데, 절단된 신체, 피부에서 벗겨낸 표피들, 그로 인해 느껴지는 통각 등이 파열된 음의 자리가 된다. 김선영에게 있어 작업들은 세계와 마주하는 표피들의 합이자 새로운 가능성의 시작이 되는 시점이 되는 것이다. 현장 뒤켠에 배치된 <음이 시작되는 자리>(2025) 시리즈 또한 같은 궤를 함께하며, 분리와 파열 이후에 도래하는 생성의 시간을 암시한다. 파열은 곧 시작의 다른 이름이 된다.
[하나는 전체, 전체는 하나]
작품의 물리적인 제작 방식에서도 작가는 해체하고 다시 붙이는 과정을 반복한다. 장지 위에 신체적 움직임이 드러나는 색(호분)으로 전체를 구성한 뒤 그것을 다시 부분으로 조각낸다. 조각난 움직임의 색은 장지로부터 발라내는 과정을 거쳐 새로운 화면으로 재구성된다. 조소와 소조의 과정을 거친 작가만의 조각이 새로운 회화로 환원되는 것이다. 마치 자신의 신체를 깎고, 벗겨내고, 다시 이어 붙여 하나의 조각으로 재탄생시키는 수행적 행위에 가깝다. 그 과정에서 드러나는 이미지는 깨지는 산과 절단된 신체, 떨어져 나가는 피부 껍데기처럼 불완전하고 파편적인 형상을 띠지만, 역설적으로 그러한 파편들이 모여 새로운 전체를 이루는 순간을 보여준다. 김선영에게 있어 ‘부분’은 결핍이 아니라 생성의 출발점이며, 분리와 해체는 곧 다시 하나로 수렴하기 위한 전제다. 이처럼 김선영의 작업은 표피를 반복적으로 벗겨내고 다시 붙이는 변증법적 행위를 통해 하나와 전체, 전체가 다시 하나가 되는, 끊임없는 순환을 이어간다. 그리고 그 반복과 수렴의 끝에서 파편과 전체는 서로를 향해 울리는 앙상블의 순간을 맞이한다.
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불안감과 시간 그리고 신체 사이의 긴장감을 표현해온 김선영은 《파열_멸열망하는 멜로디》를 통해서 정신과 신체, 화면의 안과 밖에 대한 이야기를 지속해 나간다. 외부를 향하던 작가의 시선은 2017년 이후 내부에 머물기 시작하면서, 그 사이의 경계, 신체와 마주하게 된다. 하나의 완전한 덩어리라고 생각했던 신체는 해체와 분리의 과정을 거쳐 피부라는 표면이 드러낸다. 그렇게 드러난 표면 위로 나와 세계 사이에서의 안팎의 괴리, 시간의 균열 등 불화음(不和音)이 다가온 것이다.
[산이 갈라지는 소리]
리듬감 있게 그려진 <파열음으로 가는 드로잉>(2023)은 작가의 세계로 이끌기 충분했다. 산에서 나는 쩍 갈라지는 파열음이 철제 프레임의 끝자락에서 위에 연약한 종이의 사각거림으로 변주되어 드러난다. 서로 겹쳐진 두 개의 화면은 크기만 달리한 반복된 드로잉일 수도 있고, 하나의 전체 화면의 분리된 부분으로도 보일 수도 있다. 덩어리를 조각낸 선과 상단과 하단의 유려한 선은 자리를 맴맴 돌고 있다. 작가에게 파열된 산은 온전한 것을 파괴적 의미가 아닌, 새로운 무언가가 태동되는 시점이 된다.
[살갗의 현장]
김선영은 이번 전시를 통해 새로운 시도를 한 것처럼 보인다. 새빨간 카펫, 창문을 포함한 공간 그리고 인체와 닮은 회화의 구성이 그것이다. 응당 착한 회화가 그래왔듯, 이전의 작품들이 벽에 안착하거나 그 주변을 맴돌았다면, 이번 전시에서는 공간 중앙에 대형을 갖추어 얼핏 관객을 마주하는 것만 같은 구조를 취한다. 전시장에 들어서자마자 마주하는 카펫은 전시 장소와 비전시 장소를 구별하는 장치로 기능했으며, 어떤 면으로는 연극에서의 무대와 관람객 사이의 구분처럼 보이기도 한다. 이 때문에 관객은 붉은 현장으로의 진입에 심리적 장벽을 느끼게 되지만, 이내 감식하듯 회화의 현장 속으로 들어갈 수 있게 된다. 각 화면을 지탱하고 있는 차가운 스테인리스의 두 다리는 격렬한 현장 속 서늘함을 유지하며 공간의 온도를 조율한다. 전시 공간을 감싸는 창은 자연광을 투과시키면서 전시장은 시시각각 변하는 모든 분위기를 포함하여 시간의 흐름에 따라 변주되는 장으로 만든다. 이번 전시에서 특기할만한 부분은 규격의 변화다. 그동안 대형 회화와 소형 회화의 크기를 위주로 구현해온 작가는 이번 전시에서 달리 관람자와 닮은 높이와 너비로 작품을 선보였다. <아린 살>(2025), <베어나가는 것들>(2025) 그리고 <뼈 혹은 살>(2025)들을 살펴보자면, 서 있거나 웅크린 인체 형상의 조각 같기도 하다. <minus body>(2025)와 주변에 배치된 <아직 꾸지 못한>(2025)은 좀 더 신체의 조각들을 직설적으로 말하는 작품들이다. 제목과 화면에서 유추할 수 있듯 작업은 신체로부터 시작되는데, 절단된 신체, 피부에서 벗겨낸 표피들, 그로 인해 느껴지는 통각 등이 파열된 음의 자리가 된다. 김선영에게 있어 작업들은 세계와 마주하는 표피들의 합이자 새로운 가능성의 시작이 되는 시점이 되는 것이다. 현장 뒤켠에 배치된 <음이 시작되는 자리>(2025) 시리즈 또한 같은 궤를 함께하며, 분리와 파열 이후에 도래하는 생성의 시간을 암시한다. 파열은 곧 시작의 다른 이름이 된다.
[하나는 전체, 전체는 하나]
작품의 물리적인 제작 방식에서도 작가는 해체하고 다시 붙이는 과정을 반복한다. 장지 위에 신체적 움직임이 드러나는 색(호분)으로 전체를 구성한 뒤 그것을 다시 부분으로 조각낸다. 조각난 움직임의 색은 장지로부터 발라내는 과정을 거쳐 새로운 화면으로 재구성된다. 조소와 소조의 과정을 거친 작가만의 조각이 새로운 회화로 환원되는 것이다. 마치 자신의 신체를 깎고, 벗겨내고, 다시 이어 붙여 하나의 조각으로 재탄생시키는 수행적 행위에 가깝다. 그 과정에서 드러나는 이미지는 깨지는 산과 절단된 신체, 떨어져 나가는 피부 껍데기처럼 불완전하고 파편적인 형상을 띠지만, 역설적으로 그러한 파편들이 모여 새로운 전체를 이루는 순간을 보여준다. 김선영에게 있어 ‘부분’은 결핍이 아니라 생성의 출발점이며, 분리와 해체는 곧 다시 하나로 수렴하기 위한 전제다. 이처럼 김선영의 작업은 표피를 반복적으로 벗겨내고 다시 붙이는 변증법적 행위를 통해 하나와 전체, 전체가 다시 하나가 되는, 끊임없는 순환을 이어간다. 그리고 그 반복과 수렴의 끝에서 파편과 전체는 서로를 향해 울리는 앙상블의 순간을 맞이한다.
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Thin paintings are arranged along the boundary marked by a cool, red-hued carpet. The windows on the surrounding walls filter light that changes moment by moment, enveloping each composition and the air.
These fragments gather close at times, while at others they remain distantly apart, all gazing beyond their own borders. The space atop the red carpet has become a theatrical site of an event. What has
happened here?
Having long explored the tension between anxiety, time, and the body, Kim Sunyoung continues her inquiry into the psyche and the body, as well as the spaces inside and outside the frame, through
《Dreaming of a single melody》 . Since 2017, the artist’s gaze, which once turned outward, has shifted inward, confronting the threshold between the self and the body. What once seemed a complete, unified
mass begins to fragment and separate, revealing the surface of skin. Upon that exposed surface, the dissonance between self and world and the fissures of time emerge.
[The Sound of a Splitting Mountain]
The rhythmically drawn Drawing Toward the Sound of Rupture (2023) was enough to draw the viewer into the artist’s world. The cracking sound of a mountain splitting apart transforms, at the edge of a metal
frame, into the delicate rustle of paper above. The two overlapping surfaces may be repeated drawings differing only in size, or they may be separated parts of a single whole. The lines that carve through the
mass, along with the graceful curves at the top and bottom, circle around their place. For the artist, the ruptured mountain does not signify destruction of what is whole, but rather the moment when something
new begins to emerge.
[The Site of Skin]
In this exhibition, Kim Sunyoung appears to have made a new attempt. The vivid red carpet, the space including windows, and the compositions resembling the human body all attest to this. Whereas her
earlier paintings, as “well-behaved” paintings tend to do, either settled on the wall or lingered nearby, this time the works seem to greet the viewers in a certain formation in the center of the space. The carpet
encountered upon entering the gallery functions as a device that separates the exhibition space from the non-exhibition space; in some ways, it resembles the division between stage and audience in a theater. Because of this, viewers may feel a psychological barrier to entering the red “scene,” yet soon find themselves stepping into the painting’s area as if examining it closely. The cold stainless-steel legs
supporting each canvas maintain a chill amid the intensity of the scene, regulating the temperature of the space. The surrounding windows, filtering natural light, turn the gallery into a stage that constantly shifts
with the passing of time and the changing atmosphere. Notably, this exhibition departs from Kim’s previous scale conventions. While she has alternated between large and small canvases in the past, here
she presents works whose dimensions approximate the viewer’s own height and width. In Tender Flesh(2025), Things Being Cut Away (2025), and Bone or Flesh (2025), the works resemble sculptural forms of standing or crouching bodies. minus body (2025) and Not Yet Dreamed (2025), placed nearby, speak more directly about bodily fragments. As their titles and images suggest, these works begin with the body—depicting severed limbs, peeled skins, and the sensations of pain that arise from such ruptures.
These become the loci of fractured sound. For Kim Sunyoung, the works constitute an aggregate of the surfaces through which she encounters the world, and at the same time mark the point at which new possibilities begin. The Where Sound Begins (2025) series, positioned toward the back of the scene, follows this same trajectory, alluding to a generative time that arrives after separation and rupture.
Rupture, here, becomes another name for beginning.
[One Is the Whole, the Whole Is One]
In the physical process of making her works, Kim Sunyoung repeats cycles of disassembling and reattaching. She first composes the entire surface on jangji (Korean mulberry paper) using hobun pigment, a color that records bodily movement, and then cuts that whole into fragments. The hues of these fragmented gestures are then scraped off from the paper and reassembled into new surfaces. What was once sculpture—formed through the processes of carving and modeling—is thus translated back into painting. This practice is akin to a performative act of shaving, peeling, and reattaching one’s own body to recreate it as a single sculptural form. The resulting images of splitting mountains, severed bodies, and shedding skins appear incomplete and fragmented, yet paradoxically, these fragments converge to reveal
the moment of forming a new whole. For Kim, the part is not a sign of lack but a point of emergence; separation and disassembly serve as preconditions for convergence and unity. Through this dialectical
gesture of repeatedly stripping and reattaching surfaces, her work sustains an endless cycle in which the one becomes the whole, and the whole becomes one again. At the culmination of this repetition and
convergence, fragments and
These fragments gather close at times, while at others they remain distantly apart, all gazing beyond their own borders. The space atop the red carpet has become a theatrical site of an event. What has
happened here?
Having long explored the tension between anxiety, time, and the body, Kim Sunyoung continues her inquiry into the psyche and the body, as well as the spaces inside and outside the frame, through
《Dreaming of a single melody》 . Since 2017, the artist’s gaze, which once turned outward, has shifted inward, confronting the threshold between the self and the body. What once seemed a complete, unified
mass begins to fragment and separate, revealing the surface of skin. Upon that exposed surface, the dissonance between self and world and the fissures of time emerge.
[The Sound of a Splitting Mountain]
The rhythmically drawn Drawing Toward the Sound of Rupture (2023) was enough to draw the viewer into the artist’s world. The cracking sound of a mountain splitting apart transforms, at the edge of a metal
frame, into the delicate rustle of paper above. The two overlapping surfaces may be repeated drawings differing only in size, or they may be separated parts of a single whole. The lines that carve through the
mass, along with the graceful curves at the top and bottom, circle around their place. For the artist, the ruptured mountain does not signify destruction of what is whole, but rather the moment when something
new begins to emerge.
[The Site of Skin]
In this exhibition, Kim Sunyoung appears to have made a new attempt. The vivid red carpet, the space including windows, and the compositions resembling the human body all attest to this. Whereas her
earlier paintings, as “well-behaved” paintings tend to do, either settled on the wall or lingered nearby, this time the works seem to greet the viewers in a certain formation in the center of the space. The carpet
encountered upon entering the gallery functions as a device that separates the exhibition space from the non-exhibition space; in some ways, it resembles the division between stage and audience in a theater. Because of this, viewers may feel a psychological barrier to entering the red “scene,” yet soon find themselves stepping into the painting’s area as if examining it closely. The cold stainless-steel legs
supporting each canvas maintain a chill amid the intensity of the scene, regulating the temperature of the space. The surrounding windows, filtering natural light, turn the gallery into a stage that constantly shifts
with the passing of time and the changing atmosphere. Notably, this exhibition departs from Kim’s previous scale conventions. While she has alternated between large and small canvases in the past, here
she presents works whose dimensions approximate the viewer’s own height and width. In Tender Flesh(2025), Things Being Cut Away (2025), and Bone or Flesh (2025), the works resemble sculptural forms of standing or crouching bodies. minus body (2025) and Not Yet Dreamed (2025), placed nearby, speak more directly about bodily fragments. As their titles and images suggest, these works begin with the body—depicting severed limbs, peeled skins, and the sensations of pain that arise from such ruptures.
These become the loci of fractured sound. For Kim Sunyoung, the works constitute an aggregate of the surfaces through which she encounters the world, and at the same time mark the point at which new possibilities begin. The Where Sound Begins (2025) series, positioned toward the back of the scene, follows this same trajectory, alluding to a generative time that arrives after separation and rupture.
Rupture, here, becomes another name for beginning.
[One Is the Whole, the Whole Is One]
In the physical process of making her works, Kim Sunyoung repeats cycles of disassembling and reattaching. She first composes the entire surface on jangji (Korean mulberry paper) using hobun pigment, a color that records bodily movement, and then cuts that whole into fragments. The hues of these fragmented gestures are then scraped off from the paper and reassembled into new surfaces. What was once sculpture—formed through the processes of carving and modeling—is thus translated back into painting. This practice is akin to a performative act of shaving, peeling, and reattaching one’s own body to recreate it as a single sculptural form. The resulting images of splitting mountains, severed bodies, and shedding skins appear incomplete and fragmented, yet paradoxically, these fragments converge to reveal
the moment of forming a new whole. For Kim, the part is not a sign of lack but a point of emergence; separation and disassembly serve as preconditions for convergence and unity. Through this dialectical
gesture of repeatedly stripping and reattaching surfaces, her work sustains an endless cycle in which the one becomes the whole, and the whole becomes one again. At the culmination of this repetition and
convergence, fragments and